Menu

terça-feira, 18 de setembro de 2012

An American Family x Cinema Verite




 
Domingo a noite buscando um filme para assistir antes de dormir, me deparei com um chamado “Cinema Verite” e o nome me fez lembrar de alguma coisa que não sabia o quê era, e até agora não lembro da onde já ouvi falar... então resolvi assistir.
Para quem se interessa por história da TV, e na minha opinião diria até “história social”, sociologia, algo do estilo.
Produzido pela HBO, conta a história por trás da cena do documentário “An American Family” um pioneiro do estilo “reality show” que conta a vida da família Loud na década de 1970.
O filme me pareceu bem interessante, hoje em dia “reality show” é de certa forma uma epidemia pelos canais de televisão de todo o mundo, seja canal aberto, por cabo, o que for... e quando o produtor Graig Gilbert foi “vender” a sua ideia a PBS, foi questionado a respeito de o porque as pessoas teriam interesse em assistir ao documentário.
Por 7 meses, desde o dia 30 de maio de 1971 até 1º de janeiro de 1972, os Louds foram filmados. Uma família composta por 7 pessoas, que vivia em Santa Bárbara – Califórnia não muito diferente da maioria das famílias.
Ao assistir ao filme, me deu uma enorme vontade de assistir ao documentário original, para dizer a verdade, na minha opinião, obviamente é muito importante para a história da televisão, e como isso se reflete até hoje, mas não sei se porque assisti ao filme antes, esperava mais do documentário, enfim...mesmo assim eu continuo achando que é melhor assistir ao filme e depois ao documentário original, para ter uma ideia do que se trata.
Vale a pena assistir, afinal isso faz parte da formação da nossa sociedade “pós-moderna”.
Aproveitem!

Assistir online filme - Cinema Verité  

Filme – Cinema Verité 2011

Diretores:

ShariSpringer Berman, Robert Pulcini

Roteiro:

Atores:

  

sábado, 8 de setembro de 2012

Filme: La Belle Verte




Filme francês produzido em 1996 dirigido por Coline Serreau, que afirmou ter feito seu filme mais pessoal. Além de diretora Coline atua como personagem principal da trama como Mila.
La Belle Verte, traduzindo literalmente no português : A Bela Verde, ao estilo de um conto filosófico conta a história de uma mulher que vive em um outro planeta, que poderia ser considerado uma versão otimista de um futuro na Terra, que parte para a terra, tratando de temas diversos como o anticonformismo, ecologia, decadência, feminismo, humanismo, pacifismo, valor social com um sentido de humor ao estilo francês.
Em seu lançamento, o filme foi criticado pelos meios de comunicação, o Figaro de Télérama.
Tratando de como nós maltratamos nosso planeta com o nosso estilo de vida “moderno”, mais que uma sinopse eu acho que o mais importante é ver o filme, que apesar de ser produzido com pouco orçamento, nos leva a uma reflexão.
Enjoy it!

Créditos:
René Albouze - Art Director, Margot Capelier - Casting, Karen Muller - Costume Designer, Elisabeth Parniere - First Assistant Director, Coline Serreau - Director, Catherine Renault - Editor, Christine Gozlan - Executive Producer, Coline Serreau - Songwriter, Robert Alazraki - Camera Operator, Guy-Claude Francois - Production Designer, Alain Sarde - Producer, Dominique Dalmasso - Sound/Sound Designer, Guillaume Sciama - Sound/Sound Designer, Coline SerreauScreenwriter

terça-feira, 3 de julho de 2012

El Arte del Nunca


Según el artista plástico Francisco Rodrigues da Silva, conocido por “Nunca”, en el arte no hay limitaciones culturales ni mentales, el arte es para todos.

Nació en 1983 en la ciudad de São Paulo, Brasil en el barrio Itaquera. Fue criado por su tía desde los 6 años de edad hasta sus 12, porque su madre, Rubenita, había ido a trabajar como empleada domestica en Italia por 6 años, y solamente conoció a su padre a principios de los 90.
A los 12 años de edad, en el barrio donde nació, empezó su carrera como miembro de una banda de jóvenes que hacían graffitis en las paredes del barrio. En esta época Francisco adoptó el apodo de Nunca, que significa una rebelión psicológica contra las limitaciones culturales.
Pasado 3 años, la familia se mudo para el bario Aclimação, en la misma ciudad, Nunca hizo nuevos amigos y desarrollo un interés en el grafite con más conciencia artística, que hoy describe como un proceso natural en su vida, ya que a el siempre le gustó dibujar.
Empezó produciendo figuras con un intenso y llamativo color inspirados en la cultura de los indígenas brasileños, lo que llamó la atención primero de algunos brasileños y después del medio artístico internacional.
De ahí llegaron las primeras invitaciones para exposiciones en Europa, y él empieza a pintar en lienzo y producir esculturas, rechazando una postura más radical que le negaría la oportunidad de exponer en las galerías. A pesar de disfrutar de su trabajo en la calle, el artista estaba dispuesto a producir trabajos más elaborados, lo que él vio como otro paso natural.
En 1977, se muda para el bario Cambuci donde vive y mantiene su ateliê Alfredo Volpi.
Logrando ser reconocido por su obra en São Paulo, Nunca fue invitado a participar en una muestra de “street-art” en la galería “Tate Modern” en Londres, lo que fue un salto para su reconocimiento internacional.
A pesar del reconocimiento internacional de su obra, en Brasil sus obras han sido objetos de críticas debido a la supuesta traición de sus raíces culturales y la filosofía de su trabajo en relación a las comisiones de las galerías comerciales de diseño.
En enero 2007 entra en vigor una ley en la ciudad de São Paulo, que prohíbe la propaganda en outdoors de la ciudad y regula el tamaño de los carteles y placas de establecimientos comerciales, además de borrar muchos de los grafites en la ciudad. Debido a eso un mural de 680 metros de Nunca con otra artística plástica llamada Nina fue borrado, además de otras obras del artista.
Esa ley fue un estímulo para crear un debate público sobre la importancia del trabajo de los artistas en las calles y la creación de un registro de arte público en la ciudad.

Nunca y su arte
Régis Bonvicino, poeta brasileño contemporáneo, describió uno de los mayores trabajos de Nunca en São Paulo llamado “Imitação da vida” (Imitación de la vida) que esta ubicado en la Avenida Brigadeiro Luís Antônio como un “decalque del trabajo del arstíta pop Roy Lichtenstein”, pero destaca la relación entre el trabajo, con la apariencia indígena, y su contexto urbano.
Bonvicino se centra particularmente en los personajes afro brasileños y brasileños nativos de Nunca, y su compromiso con el medio ambiente urbano moderno, que es expresada a través de la mirada que interactúa con el transeúnte.
Imitação da Vida - Nunca
"... Los ojos del personaje son huecos: los iris, los círculos casi completos, nos recuerdan vagamente a las serpientes que saltan de las órbitas, la cara (se indica por un color blanco fuerte, así como el hocico negro y prominente) es tensa, intensamente apretados , la nariz incisiva y severa, la boca enojada infunde temor en quien la ve. Una persona apresurada podría decir que su mirada está vacía y transmite el vacío de nuestro tiempo. Sin embargo, además de eso, la cara del personaje también da a conocer el miedo. Por lo tanto, los transeúntes, en diálogo silencioso con el graffiti, están inexorablemente incorporando al mismo, en una malla de la paranoia y el miedo. " Bonvicino.
En otro graffiti que esta en una pared en Atenas, Grecia, que se convierte en un gigantesco mural, un personaje con características afro-indígenas con un inmenso brazo que sale casi que de la vereda, pone un Cadilac en la boca de otro personaje con características más americanizadas que viste un máscara y con el pello con el corte que remete al pelo de los indígenas. 
Mural Atenas Grecia - Nunca
 
Las narices de ambos son distintos, la del afro-indígena es menos saliente que la de la personaje que traga el Cadillac. Hay un rostro suelto, con un collar que se asemeja a una serpiente que esta sobre el brazo gigantesco del hombre; este personaje trae en las proximidades de su oreja plumas como aquellas utilizadas por los indígenas. Este gigantesco graffiti dialoga directamente con la calle, de donde parece que fue sacado el Cadillac.
La interpretación mural/calle desmonta cualquiera idea de figurativismo pasivo. Nunca crea personajes que en realidad no interactuan con la ciudad. Esta es la relevancia de las miradas que crea para sus testigos y de su trazado figurativista.
Un figurativismo recreado y revitalizado por la presión de las calles, además no existen grafites exclusivamente “abstractos”, que no serían obras pertinentes para la comunicación que se propone a las ciudades.
Nunca fue descripto como “una de las estrellas del graffiti en São Paulo” en 2005 en el libro Grafitti Brasil.
El artista dijo que le gusta caminar por la ciudad encontrando nuevos lugares para pintar. Después, cuando vuelve a casa, él ordena sus experiencias y pensamientos en el papel, como un dibujo que puede convertirse en innumerables posibilidades, un cuadro, una instalación, …
La locación escogida complementa el trabajo que pretende hacer o solo sirve como un medio para exponer su arte. Lo que busca es que el lugar permita una relación entre el transeúnte y la pintura.
Nunca se describe “como un registro erróneo de sus experiencias” y su trabajo tiene como objetivo la creación de “miradas claras y sutiles”.Él mira a su propia imagen en el espejo para encontrar un modelo para los ojos de su personaje.
Entre castillos y aviones

Dos de los grandes proyectos internacionales de Nunca, fueron en un castillo en Escocia y en el deserto del Arizona en los Estados Unidos de américa.
En 2007 cuatro grafiteros brasileños fueron invitados por los hijos del dueño de un castillo escoces para grafitar las parte de externa de la construcción con más de 800 años. El castillo que está en la ciudad de Kelburn pertenece a la família Glasgow fue pintado por Nunca, Gustavo y Otávio (“Os Gêmeos” - Los gemelos) y Nina Pandolfo. La tarea era de convertir el color ocre viejo del castillo en un graffiti gigante.
Un antiguo dueño había aplicado yeso en las paredes externas cubriendo las piedras originales, sacando así la visión original del castillo. El centro de preservación histórico del país pidió al dueño que sacase el yeso dejando las piedras originales visibles.
Fue en ese momento que sus hijos decidieron dar una apariencia distinta antes que sacasen el yeso y contrataron a los graffiteros brasileños, que por un mes hicieron este trabajo increíble, pintando toda la parte externa del castillo con spray, dando un estilo contemporáneo a la vieja construcción.
Pasado 5 años del evento, el dueño que a principio no aprobaba mucho las ideas de los hijos, recurrió a la justicia para que no fuera sacado el yeso del castillo como había sido determinado.
El castillo siempre atrajo muchos turistas que vienen de todas partes del mundo para apreciar las construcción, los jardines, el paisaje donde está localizado el castillo, pero después de la obra hecha el numero de visitas aumentó de una manera increíble convirtiendo el castillo en un ícono que está presente en muchas revistas de todo el mundo.




El otro proyecto grandioso del artista Nunca fue el “The Bone Yard Project” hecho en Tucson, Arizona en 2012. En el medio del deserto, entre aviones de la segunda guerra mundial, Nunca pinto la parte de afuera de los aviones.
Otros cuatro artistas, tres de los Estados Unidos y uno de México también participaron de este proyecto que se basaba en pintar el fuselaje de los aviones que se encontraban en medio del deserto en un sitio mantenido en secreto hasta entonces, cerca de una base militar americana.
Cada artista tuvo que pintar un avión con total libertad utilizando su creatividad. Para realizar este trabajo, el artista Nunca usó de cerca de 800 sprays y presentó en los dibujos sus impresiones en torno a la ciudad donde se encontraban, la historia de los aviones y el desierto.
La idea de este proyecto surgió de Eric Firestone, que es dueño de una galería de arte contemporánea. La idea era traer de vuelta la vida a esos aviones con mucho color.



Con muros pintados y exposiciones individuales en las galerías de todo el mundo, Nunca es uno de los artistas brasileños contemporáneo más importantes de la actualidad, lo que hace con que los académicos conservadores del arte discuta el tema “graffiti”.
La palabra “graffiti” tiene sus orígenes en la palabra griega graphein que significa escribir.
Surge en los años 60 en Nueva York influído por la música hip-hop, los primeros artistas se dedicaban a firmas que pintaban por toda ciudad. Uno de los primeros artistas firmaba TAKI 183 y fue entrevistado por el New York Times en 1971 y su nombre era Demetrius. Un joven griego que trabajaba como mensajero y pintaba su firma en todos los sitios donde entregaba documentos y paquetes.
Cuando Demetrius se hace famoso, muchos jóvenes empiezan a imitarlo y a buscar sitios cada vez más difíciles y llamativos para dejar su firma. Paralelamente,el artista Keith Haring empezó a pintar sus dibujos en sitios públicos, primero pegando posters y luego pintando directamente sobre muros y paredes de los subtes de Nueva York.
Al ser un tipo de arte tan distinto para la época, Haring se hizo conocido, y pronto los museos de arte empezaron a exponer sus obras.
Con el tiempo el grafitti callejero se iba incorporando en la cultura Hip Hop, rap y break dancing hasta llegar a otros países. Tuvo su momento más fuerte durante los 70, pero luego empezó a perder popularidad. Luego de una década, el arte del graffiti volvió a tener popularidad por el mundo.
Hoy visto como una arte libre, popular, que llega a la mayoría de los ciudadanos sin que ellos tengan que buscarlo, el graffiti es el arte que incomoda un poco a algunos académicos y críticos del arte tradicional que creen que por ser algo callejero no se trata de arte.
Nunca hoy llega a ser más reconocido en el exterior que en su proprio país. Mientras le pagan para pintar algo al otro lado del mundo, en su ciudad retiran sus murales.
El arte popular siempre no fue y ni sigue siendo muy aceptado en el medio tradicional. Movimientos como el fauvismo, die brucke, dadaismo, entre otros, o también pintores como Goya en los 1800 luchaban por una arte libre, que pueda llegar a todos.
No como un objeto de decoración, pero si como una expresión popular, individual y colectiva de una época, un momento.
El graffiti es el “arte callejero” donde las personas que forman parte del entorno se expresan a través de colores y formas. Así Nunca enseña su mirada de un Brasil hecho de la cultura de los nativos y africanos mezcladas en el contexto urbano actual.